Green

USA 2011; R: Sophia Takal; mit Kate Lyn Sheil, Sophia Takal, Lawrence Michael Levine; HDCam, 75 Minuten, OV

FR 6.1. 21:00 – FR 13.1. 21:15

Die New Yorker intellektuellen Öko-Snobs Genevieve und Sebastian ziehen aufs Land. Er arbeitet an einem Artikel über nachhaltige Landwirtschaft, sie dagegen hat nichts zu tun und kommt sich nutzlos und vernachlässigt vor – bis Robin in ihr Leben tritt. Sie stammt aus der Gegend und ist ganz anders als die zurückhaltende Genevieve: direkt, natürlich und fast ein bisschen aufdringlich. Die beiden Frauen verstehen sich auf Anhieb gut. Bis Genevieve beginnt, in Robin eine Konkurrentin zu sehen und sich mehr und mehr in einem Gespinst aus Eifersucht verliert.

Genevieve, played by Kate Lyn Sheil, is an intellectual New Yorker who moves to a cabin in the rural South with her boyfriend Sebastian (Lawrence Michael Levine) so that he can blog about sustainable farming. She forms a fast friendship with a local woman, Robin (played by writer/director Sofia Takal). Their relationship initially boosts Genevieve’s confidence and self-esteem, but things grow complicated when Robin also bonds with her boyfriend. The women are gradually drawn into an irrational, destructive spiral of jealousy, insecurity and paranoia as they work to manipulate and destroy each other, creating a palpable sense of tension and discomfort as the story unfolds. Strong performances and a haunting score help to create an experience of the horror that lies within our own minds. In her first feature film, Takal creates a meditative and naturalistic portrait of one woman’s psychological unraveling. (April Wright)

Littlerock

USA 2010; R: Mike Ott; mit Okatsuka Atsuko, Sawamoto Rintaro, Cory Zacharia; HDCam, 83 Minuten, OV · Deutschland-Premiere

MO 2.1. 19:45 – SO 8.1. 19:30

Littlerock ist die gottverlassene und abgelegene amerikanische Kleinstadt schlechthin. Und gerade hier, wo es nichts gibt außer ein paar staubigen Straßen, halb leerstehenden Häusern und alten Motels, hat das japanische Geschwisterpaar Rintaro und Atsuko eine Autopanne. Während Rintaro nach San Francisco weiterreist, bleibt seine Schwester und nimmt den Ort als eine kleine Welt, durchstreift die Gegend, knüpft Freundschaften und geht eine flüchtige Liebesbeziehung ein. Alles in diesem Film ist selbstverständlich und ungezwungen, hat seinen eigenen Rhythmus, und dennoch gibt es eine alte, verschwiegene Geschichte, die die Jungen an diesem Ort einholt. (Viennale)

A road-tripping Japanese brother and sister, Rintaro and Atsuko, are visiting the U.S. for the first time. They are headed for San Francisco when their rental car breaks down in the California desert town of Littlerock. Despite the cultural and language barriers they soon fall in with the aimless young locals, including an awkward outcast named Cory clumsily plotting an escape to Los Angeles and clearly taken with Atsuko.
Director Mike Ott proves astutely familiar with well-observed setting, convincingly evoking the languid rhythms of purposeless young people, drinking and smoking their days away. The dazzling sunsets and soaring mountains provide counterpoints to the claustrophobia of a small-town rife with petty sniping, racial tension and homophobia. Gently funny and sweetly melancholic, Littlerock is a warm depiction of the confusing and sometimes painful process of finding your identity and lurching towards adulthood. (Jesse Dubus)

The Last Buffalo Hunt

USA 2011; R:Lee Anne Schmitt; HDCam, 76 Minuten, OV – Deutschland-Premiere

DI 3.1. 21:15 – MO 9.1. 19:30

Die letzte freilebenden Buffalo-Herden Nordamerikas wurden in Utah angesiedelt, ausgerechnet in einer Gegend, in der die Tiere historisch gar nicht vorkamen. Die Population, deren natürliche Feinde ausgestorben sind beziehungsweise wie sie selbst ausgerottet wurden, wird durch Jagd kontrolliert. Alte Männer inszenieren sich während dieser Jagd als last true americans alive; freilich sind sie nicht mehr an der Erschließung eines Kontinents beteiligt, sie nehmen lediglich eine Dienstleistung in Anspruch und zahlen dafür.
Lee Anne Schmitt setzt ihr mit California Company Town (2008, UP#1) begonnenes historiografisches Projekt fort. Wieder geht es um eine Spurensuche in der Einöde, um aus der Zeit gefallene Überreste vergangener Kämpfe. Die letzten Buffalojäger sind die Erben einer Expansionsbewegung, die Tierrassen und Volksstämme vernichtet hat. Diese Erben leben nun in einer Art selbstgewählten Reservat und suchen nach der verlorenen frontier. (Lukas Förster)

THE LAST BUFFALO HUNT is not a documentary about hunting buffalo. It is a film about cowboys, history and landscape, a film that documents the experience of one of the last open landscapes in America even while depicting its demise. The film complicates images of the Utah landscape with images of taxidermy, helicopters, shotguns, casinos built in the shape of twelve story barns and plastic teepees, gas stations and snack shops advertised with figures of Indian chiefs from tribes long since displaced and robotic hunters selling sporting goods.
THE LAST BUFFALO HUNT makes space for the construct of American individuality to reverberate alongside the marketing of the hunt, faith and belief, and the image of the American West, questioning the authenticity of our myths and the foundations of our frontier ideology. (Lee Anne Schmitt)

Martha Marcy May Marlene

USA 2011; R: Sean Durkin; mit Elizabeth Olsen, John Hawkes, Christopher Abbot; 35mm, 101 Minuten, OV – Deutschland-Premiere

FR 6.1. 19:30 – SO 15.1. 16:00

Martha war verschwunden. Als sie nach Jahren plötzlich wieder auftaucht und von ihrer älteren Schwester Lucy und dessen Mann Ted in deren einsamen Ferienhaus aufgenommen wird, wird nach und nach klar, dass sie Verstörendes erlebt hat.
Die Erinnerungen, die sie nicht loslassen, zeigen, dass sich Martha einer sektenähnlichen Gemeinschaft um den gleichermaßen charismatisch wie auch bedrohlichen Anführer Patrick angeschlossen hatte. Zwar konnte Martha fliehen, fühlt sich aber noch immer nicht sicher. Im Kontrast zu der Ruhe des Hauses am See steigt die Anspannung – auch zwischen den beiden Schwestern, die sich versuchen anzunähern und sich dabei doch voneinander entfernen.

Sean Durkin’s haunting first feature, about a young woman’s halting attempts to undo the psychic terror of the cult she’s just escaped, heralds the arrival of a remarkable new talent. Fleeing a Manson-like Catskills compound at dawn, Martha (Elizabeth Olsen, leading an excellent cast) reconnects with her older sister, Lucy (Sarah Paulson), a bourgeois New Yorker who takes in her sibling at the Connecticut country house she shares with her husband, Ted (Hugh Dancy). Lucy remains unaware of exactly what happened to Martha over the past few years—details that Durkin slowly but powerfully unveils in uncanny, disorienting flashbacks. The film’s gorgeous, painterly compositions have the chilling effect of suggesting that even our worst nightmares still retain a seductive allure. (New York Film Festival)

Mildred Pierce (Episoden 1 & 2)

USA 2011; R: Todd Haynes; mit Kate Winslet, Evan Rachel Wood, Guy Pearce, Morgan Turner, Melissa Leo; Blu-ray, OV, 121 Minuten, OV

DI 10.1. 19:30

Regisseur und Co-Autor Todd Haynes hat nicht einfach ein Remake von Michael Curtiz’ gleichnamigem Kinoklassikers aus dem Jahr 1945 gedreht, er ist zurück an die literarische Quelle gegangen, zur Romanvorlage von James M. Cain. Haynes erzählt die Geschichte einer Frau, die sich im Los Angeles der Zeit der Großen Depression mit viel Disziplin nach oben arbeitet. Ihr gelingt aber nicht, das zu bekommen, was ihr am meisten bedeutet: die Liebe ihrer Tochter. Während Curtiz’ Kinoversion mit Hilfe einer hinzuerfundenen Mordgeschichte die literarische Vorlage in einen Film noir verwandelte, legt Haynes den Kern dieses Melodramas wieder frei. Wie schon in Far From Heavan (2002) zeigt er sich erneut als moderner Meister dieses Genres.

Todd Haynes, the most academic yet mass-culture-minded of U.S. indie directors, began his career in the late Reagan era with an unauthorized Karen Carpenter biopic; his most recent feature, I’m Not There, explicated the Bob Dylan story using six different “Dylans”. His MILDRED PIERCE addresses another sort of star text, exhuming a Depression-set popular novel by tough-guy naturalist James M. Cain. Unfolding over five and a half hours, the rise and fall of a hardworking, hardheaded, not particularly imaginative young mother who divorces her deadbeat husband is epic domestic drama with intimations of historical tragedy. Too distant and hardscrabble to evoke nostalgia, Haynes’s MILDRED PIERCE might have appeared in the disillusioned days of The Godfather (1972) or Chinatown (1974). (J. Hoberman)

Psychohydrography

USA 2010; R: Peter Bo Rappmund; Blu-ray, 63 Minuten, ohne Dialoge – Deutschland-Premiere

DO 5.1. 19:30 – MI 11.1. 19:45

Dieses faszinierende und visuell bestechende Werk besteht aus fotografischen Bildern von Wasser, das von den Bergen her in Richtung Meer fließt. Mit seiner digitalen Fotokamera machte Peter Bo Rappmund hunderte von Aufnahmen in der östlichen Sierra Nevada, im Owens Valley, vom Los Angeles Aquädukt, dem Los Angeles River sowie dem Pazifischen Ozean. Unterlegt werden diese Bilder mit Tonaufnahmen der Sonne von Thomas Ashcroft. Rappmunds Avant-garde Arbeit ist inspiriert von Filmemachern wie Phil Solomon, Stan Brakhage, Thom Andersen und James Benning. (Museum of Modern Art)

Petter Bo Rappmund‘s PSYCHOHYDROGRAPHY is exactly what its title portends: a psychological portrait of water. Following the Los Angeles Aqueduct from its source in the eastern Sierra Nevada Mountains to the city (more than two hundred miles), and then from the Los Angeles River to its endpoint at the Pacific Ocean, the hour-long HDR digital video recombines visual and aural elements—both natural and industrial—to graph the massive technological harnessing of water, turning it into a pulsing, strobing kaleidoscope of the mind’s eye.
The hulking, slowly crumbling technological apparatuses that reshape nature define the topography of Los Angeles and its surrounding areas. Rappmund relies on an aural tapestry as much as an imagistic one, creating a nocturnal symphony of clangs, hisses, whooshes, and hums that accompanies shots of the channel’s neighboring power lines and train yards, increasingly overwhelming the sounds of frogs, birds, and humans. When PSYCHODYDROGRAPHY ends we realize we’ve experienced the journey of an artist who wishes to show the inherent conflicts of our man-made universe while remaking it himself. (Michael Joshua Rowin)

Putty Hill

USA 2010; R: Matt Porterfield; mit Sky Ferreira, Zoe Vance, James Siebor, Jr.; 89 Minuten, Blu-ray, OmU

DO 5.1. 21:00 in Anwesenheit von Matt Porterfield

Matt Porterfields Spielfilme HAMILTON und PUTTY HILL gehören zweifelsohne zu den spannendsten Arbeiten im aktuellen US-amerikanischen Independent-Kino. Anlässlich der Veröffentlichund dieser beiden Filme in der REVOLVER DVD Edition wird PUTTY HILL noch einmal gezeigt:

Der 24-jährige Cory ist in einem verlassenen Haus an einer Überdosis Heroin gestorben. Am Tag vor seiner Beerdigung versammeln sich Freunde und Familie in einer Karaoke-Bar. Die geteilten Erinnerungen der Trauernden zeichnen das Bild einer Gesellschaft, die geprägt ist durch Armut, das Leben in einer Großstadt, Generationsunterschieden und der gemeinsamen Suche nach einem neuen amerikanischen Traum.

A young man dies of a heroin overdose in an abandoned house in Baltimore. On the eve of his funeral, family and friends gather to commemorate his life. Their shared memories paint a portrait of a community hanging in the balance, skewed by poverty, city living, and a generational divide, united in their pursuit of a new American Dream.

Road to Nowhere

USA 2010; R: Monte Hellman; mit Shannyn Sossamon, Dominique Swain, Tygh Runyan; Blu-ray, 121 Minuten, OV

MO 2.1. 19:30 – DI 10.1. 21:45 – SA 14.1. 19:30

Ein Regisseur dreht (im Film) nach einem wahren Betrugsfall einen Thriller. Vor Ort, niedrig budgetiert, beraten von Kennern der Vorgänge. Er verfällt dabei auf eine Hauptdarstellerin (Shannyn Sossamon), deren Schönheit und Charme er schnell erliegt. Dass mit ihr etwas nicht stimmt, verdichtet sich im Verlauf vieler Vor- und Zurückblenden und in der langsamen Akkumulation weiterer Informationen zur Gewissheit.
In Wahrheit ist aber auch ROAD TO NOWHERE wunderbar Hellmanesk: Wieder und wieder geht es – in Song-Einlagen, in einer Schauspielprobe – um eine sehr spezifische Situation: gefangen zu sein zwischen einem Vor und Zurück, ohne wirklichen Ausweg nach beiden Seiten. Hellman is back: Endlich ist auf dieser ganz besonderen Straße nach Nirgendwo wieder Verkehr. (Ekkehard Knörer)

Young American cult movie director Mitchell Haven has found the material to make his next masterpiece. It’s a true crime story involving a beautiful young woman, Velma Duran, and her older politico lover, Rafe Taschen. When their fraudulent kickback scheme goes wrong, it leads to the shooting death of a sheriff’s deputy and ends with the star-crossed lovers’ dramatic suicides. Mitchell falls in love with the ill-fated tale, and even more so with the beautiful Velma Duran. And when he casts Euro-based model and budding actress Laurel Graham, who bears an eerie resemblance to Velma, he falls even further in love. But by the time shooting begins on the very location of the incidents, Mitchell learns that nothing about the crime – or its participants – is as it seems.

Silver Bullets

USA 2011; R: Joe Swanberg; mit Kate Lyn Sheil, Ti West, Joe Swanberg, Amy Seimetz; HDCam, 70 Minuten, OV

MI 4.1. 21:15 – SO 8.1. 18:00

Claire, eine junge Schauspielerin, erhält die Hauptrolle in einem Werwolf-Film eines gefragten Horrorfilm-Regisseurs. Ihr Freund Ethan, ebenfalls ein Filmemacher, allerdings bisher ohne großen Erfolg, besetzt aus Eifersucht Claires beste Freundin Charlie in seinem neuen Film als seine Freundin. Während Ethan, geplagt von Selbstzweifeln und einer künstlerischen Schaffenskrise, immer mehr in eine Depression verfällt, nimmt das Leben von Claire immer mehr surreale Gestalt an.

Claire, a beautiful young actress, is in a comfortable relationship with Ethan, a filmmaker who aspires to make meaningful art films. She is his muse and they are finishing a project together. She accepts the lead role in a werewolf film to be directed by a talented young horror filmmaker named Ben. Ethan is instantly weary of her relationship with Ben and suspects she is more interested in fame than the pursuit of art.
As Clair and Ben prepare the werewolf film together, Ethan begins to spiral into depression and self-doubt. In retaliation against Claire, he casts her best friend, Charlie, also an actress, as his girlfriend in his new film. As both productions move forward, Claire’s life becomes more surreal and starts to resemble the werewolf film she is working on.
Inspired by Chekhov’s “The Seagull,” SILVER BULLETS examines the cinema and asks questions about art, commerce, power and desire. Using David Foster Wallace as a reference point, the film also explores fame, depression and suicide.

Terri

USA 2011; R: Azazel Jacobs; mit Jacob Wysocki, John C. Reilly, Creed Bratton; 35mm, 105 Minuten, OV

SO 1.1. 18:00 – FR 6.1. 21:30 – MI 11.1. 21:15

Terri ist ein grosser Junge in einer kleinen Stadt, die keinen Platz hat für Menschen, die anders sind. Seine Eltern sind auf und davon, und so lebt er bei seinem kränklichen Onkel James, der mehr auf Terris Hilfe angewiesen ist denn umgekehrt. Empfindsam, dick und ungeschickt, wird Terri schmerzhaft bewusst, dass er definitiv nicht zum angesagten Kreis innerhalb der Highschool gehören wird. Nachdem er sich mit seinem Outsider-Status abgefunden hat, nimmt sich jedoch der unwirsche Vizeleiter der Schule, Mr. Fitzgerald, überraschend seiner an. Mit seiner Hilfe freundet sich Terri mit ein paar anderen Aussenseitern an: mit Chad, einem zappeligen Einzelgänger, sowie mit Heather, einem frühreifen Mädchen, dem die eigene Attraktivität zum Verhängnis zu werden droht. In der unerwarteten, eigenwilligen Verbindung der drei Teenager spiegelt sich die intensive und dramatische Erfahrung des Erwachsenwerdens.

Living with his uncle who is ailing, mercilessly teased by his peers, and roundly ignored by his jaded teachers, Terri finds himself alienated and alone. But when the dreaded vice principal, Mister Fitzgerald, sees a bit of himself in the boy, they establish a friendship that encourages Terri to consider the possibility that life is something to be shared, even enjoyed, not just endured. Wonderfully enacted, perceptive, and honest, TERRI perfectly captures the lonely life of an outcast. But we don’t pity or laugh at him; we relate to him. Remaining true to himself in the face of adversity, Terri becomes an unlikely hero. Filled with heart and humor, TERRI is a comedy about feeling alone, and discovering there are others who feel the same way. (Sundance Film Festival)

The Wolf Knife

USA 2010; R: Laurel Nakadate; mit Christina Kolozsvary, Julie Potratz; HDCam, 92 Minuten, OV – Deutschland-Premiere

FR 6.1. 19:00 – SO 15.1. 18:15

Auf der Flucht vor der erdrückenden Langeweile Floridas und dem unheimlichen Verhalten des Verlobten ihrer Mutter, macht sich die junge Chrissy zusammen mit ihrer besten Freundin June auf die Suche nach ihrem verschollenen leiblichen Vater. Der Film folgt den beiden Mädchen auf ihrer Reise. Auf ihrem Weg treffen sie auf dirty old men und kitschigeTouristenfallen. Laure lNakadates eindrücklicher low-budget Film umgeht die klassischen Road Movie Koventionen, indem er sich auf die konfliktreichen Beziehungen der beiden Mädchen konzentriert. Naka- date, eine berühmte Fotografin und Videokünstlerin, hat dieses zwiespältige Gebiet bereits in ihren früheren Arbeiten ergründet, vor allem in einer Reihe von mutigen wie verstörenden Videoarbeiten, die ihre sexuell aufgeladenen Begeg- nungen mit Männern mittleren Alters dokumentierten. (Matt Cornell)

In THE WOLF KNIFE, acclaimed video artist and photographer Laurel Nakadate offers up a darkly disturbing sexual coming-of-age road movie that explores the complex inner lives of two teenage girls. Bored with their small-town existence during an oppressively hot and humid summer, Chrissy and June drift aimlessly around the neighborhood, spending most of their time sneaking into neighbor’s pools, and sharing their thoughts on boys, sex and the troubles with their families. Hitting the road under the pretense of locating Chrissy’s estranged father, the girls soon find the boundaries of their friendship put to an extreme test. A stripped down, raw, and brutally honest film, THE WOLF KNIFE employs a naturalism that, like her photography, establishes Nakadate as a director who works at the inter- section of desire and deception.

Don’t Expect Too Much

USA 2011; R: Susan Ray; 70 Minuten, HDCam, OV – Deutschland-Premiere

SO 8.1. 16:00 (in Anwesenheit von Susan Ray) – DO 12.1. 20:45

In diesem Komplementärstück zu Nicholas Rays WE CAN’T GO HOME AGAIN beleuchtet seine Witwe Susan seine stürmische Beziehung zu Hollywood sowie sein freiwilliges Exil in Europa. Zurück in den Vereinigten Staaten begann er an seinem experimentellen Magnum Opes zu arbeiten. Mit bisher nie gezeigtem Archiv-Material aus dem Nicholas Ray Archiv, neuen Interviews mit Victor Erice und Jim Jarmusch sowie vielen Mitarbeiter und Schauspieler von WE CAN’T GO HOME AGAIN, ist DON’T EXPECT TOO MUCH ein eindrückliches Porträt von Rays Leben, seiner Arbeit und seinem Einfluss auf zukünftige Generationen von Filmemachern.

Did Nick Ray leave Hollywood, or did Hollywood leave him? What was he up to when he returned to the States after a decade in Europe? What was his intention with WE CAN‘T GO HOME AGAIN, that experimental film he made with a bunch of college students? What was he doing with so many images on the screen all at once? How did he do it? Why was the film never finished? Did he lose his way, his talent, his sanity, his common sense? DON‘T EXPECT TOO MUCH, a feature-length documentary helmed by Ray’s wife Susan, investigates these questions and the relationship forged by Ray between his life and his art. Drawing on the director’s archive of never-before-seen film, video and stills, Susan finds answers to our questions about Nick Ray in Nick Ray’s own words and images. And we learn from interviews with members of the original crew of WE CAN‘T GO HOME AGAIN, directors Jim Jarmusch and Victor Erice, and others, how this man lived, saw, learned and taught, how he fought and danced with his demons, how he loved.

We Can’t Go Home Again

USA 1976/2011; R: Nicholas Ray; mit Nicholas Ray, Tom Farrell, Jane Heymann; 90 Minuten, HDCam, OV – Deutschland-Premiere der restaurierten Fassung

SA 7.1. 19:00 (in Anwesenheit von Susan Ray) – MO 9.1. 21:00 – FR 13.1. 19:30

Nicholas Ray beendete seine Hollywood-Karriere mit seiner teuersten Produktion, 55 Days at Peking. Zehn Jahre später tauchte er mit seiner günstigsten wieder auf, einem experimentellen, politisch radikalen und unabhängigen Werk, das er mit seinen Filmstudenten realisierte. Ray und seine Studenten spielen sich selbst in verschiedenen Dokudrama-Situationen, die in Rays (fiktivem) Selbstmord gipfeln. Oft verbindet er mehrere Bilder zu wuchernden Fresken. Der Film riecht förmlich nach dem Gefühl der Entfremdung und dem Leiden der [damaligen] Gegenkultur. Als der Film 1973 in Cannes Premiere feierte, sprach Ray davon, dass er versucht habe, mit Hilfe einer kaputten Bolex- und einer 25-Dollar-Mitchellkamera aus dem Armeebestand ein Guernica zu kreieren. In vielerlei Hinsicht bestürzend, aber als Dokument seiner Zeit gibt es nichts, was auch nur annähernd vergleichbar wäre. (Jonathan Rosenbaum)

The most complete, restored version of Nicholas Ray’s experimental masterpiece, made with his students at the State University of New York at Binghamton, WE CAN‘T GO HOME AGAIN embodies Ray’s approach to filmmaking as a communal way of life. The film records Ray’s groundbreaking use of multiple images as a way of telling more than one story simultaneously, and of colorisation as a way to heighten emotional expression. He called it a “journalistic” film, one that shares the anthropologist’s aim of recording the “history, progress, manners, morals, and mores of everyday life” at a critical moment in American history. Ray plays himself in the film, serving as mentor, friend and reference point around whom the students’ stories constellate.

A Letter to Elia

USA 2010; R: Martin Scorsese, Kent Jones; 60 Minuten, HDCam, OV – Deutschland-Premiere

MI 4.1. 20:00 – DO 12.1. 19:30

Für Martin Scorsese, aufgewachsen in Little Italy, waren On the Waterfront (Die Faust im Nacken, 1954) und East of Eden (Jenseits von Eden, 1955) eine Offenbarung. Scorsese erscheint in A LETTER TO ELIA vor und hinter der Kamera und führt uns nicht nur durch Elia Kazans Leben, sondern auch durch sein eigenes. Zum ersten Mal realisierte Scorsese als Jugendlicher durch diese Filme, dass da ein Künstler hinter der Kamera stand, jemand „der mich kannte, vielleicht sogar besser als ich mich selber.“ A LETTER TO ELIA dreht sich um den Augenblick, wenn man als Jugendlicher im richtigen Moment den richtigen Film sieht, ein Zeitpunkt in dem man offen und bereit ist, neues zu entdecken und sich dann – vielleicht – auf den Weg macht, einen eigenen Film zu drehen.

Martin Scorsese and Kent Jones’ stunning biography clearly defines the enormous impact Elia Kazan had on modern performance, including his participation in The Group Theatre and groundbreaking work with actors including Brando, Clift and Dean. Kazan’s naming of names at HUAC is explored. But the focus here is on the great director’s struggle to discover his personal voice as a filmmaker. Punctuated by brief but beautiful quotes from Kazan, read by Elias Koteas, Letter explores how Kazan’s films, including On the Waterfront and A Face in the Crowd, explored the moral and psychological tensions of the immigrant experience in America. The most gratifying elements, however, reveal with great delicacy and emotional force how Kazan influenced and informed Scorsese’s own films. Of Scorsese’s numerous documentaries focusing on film history, this is easily the finest. (Telluride Film Festival)

George Harrison: Living in the Material World

USA 2011; R: Martin Scorsese; 209 Minuten, Blu-ray, OmU

DO 5.1. 19:30 – SA 14.1. 19:00

Mit bisher unveröffentlichten Fotos und nie gezeigtem Filmmaterial zeichnet Martin Scorsese das Leben von George Harrison in einem sehr persönlichen Film nach. Dabei greift er auf seltenes Archivmaterial und Interviews mit Harrisons Familie zurück. Zahlreiche Weggefährten und Freunde des Ex-Beatles kommen zu Wort, darunter Eric Clapton,Terry Gilliam, Eric Idle, George Martin, Paul McCart- ney,Yoko Ono,Tom Petty, Phil Spector, Ringo Starr und Jackie Stewart.

Rich in mesmerizing archival footage, Martin Scorsese’s expansive documentary on the Beatles’ lead guitarist—and of one of the greatest musicians of the 1960s and ’70s—traces in detail all aspects of Harrison’s professional and personal life. Friends (Eric Clapton, Eric Idle), family (wives Patti Boyd and Olivia Harrison), and band mates (Paul McCartney and Ringo Starr) reflect on Harrison’s mid-’60s embrace of Indian mysticism and music, which forever changed the sound of the Fab Four. Harrison’s spirituality also defines his masterful solo work, especially the 1970 triple album All Things Must Pass, produced by Phil Spector, another subject interviewed in depth. Until his untimely death in 2001, Harrison remained fiercely committed to his music and other passions (including film producing), earning the admiration of all who were lucky enough to work with him. ( NewYork Film Festival)

Public Speaking

USA 2010; R: Martin Scorsese; 90 Minuten, HDCam, OV

DI 3.1. 19:30 – SA 7.1. 21:00

Martin Scorseses Dokumentarfilm PUBLIC SPEAKING ist der New Yorker Schriftstellerin Fran Lebowitz gewidmet. Fran Lebowitz betrat die New Yorker Literatenbühne in den 1970er Jahren, als sie, damals noch gänzlich unbekannt, von Andy Warhol für seine Zeitschrift Interview angeheuert wurde. Heute ist sie eine berühmte und unverkennbare Stimme des Zeitgeistes, die sich mit Gender- und Rassenkonflikten und Homosexuellenrechten beschäftigt und sich mit bissiger Komik über ihre Weltanschauungen äußert. Martin Scorsese setzt sie gekonnt in Szene und verwebt Archivaufnahmen mit Interviews und Bühnenmonologen, um ein gewinnendes Porträt einer überlebensgroßen Schriftstellerin abzuliefern. (Deutsches Filmmuseum)

Wise, brilliant and funny, Fran Lebowitz hit the New York literary scene in the early ‘70s when Andy Warhol hired the unknown scribe to write a column for Interview magazine. Today, she’s an acclaimed author with legions of fans who adore her acerbic wit. Directed in the inimitable and energetic style of Scorsese’s early documentaries “Italian American” and “American Boy,” PUBLIC SPEAKING captures the author in conversation at New York’s Waverly Inn, in an onstage discussion with longtime friend and celebrated writer Toni Morrison and on the streets of New York City. Lebowitz offers insights on timely issues such as gender, race and gay rights, as well as her pet peeves, including celebrity culture, smoking bans, tourists and strollers. Of her beloved city, she says, “New York was not better [in the ‘70s] because there was more crime. It was better because it was cheaper.” (Film Fourm New York)